Les 110 ans du Théâtre Municipal nous font réfléchir à la fois sur son importance architecturale et sa valeur culturelle
de Marcello Rollemberg
Au début du siècle dernier, la ville de São Paulo voulait être Paris en grandissant. Et il y a exactement 110 ans, le 12 septembre 1911, ce rêve semblait se matérialiser. La raison? L’ouverture tant attendue du Théâtre Municipal, en plein cœur de la ville, conçu par le bureau de Ramos de Azevedo et clairement inspiré de l’Opéra de Paris. Très bien, en conséquence, les habitants de São Paulo ont été confrontés à un événement sous-jacent, qui deviendrait de plus en plus une réalité dans leur vie quotidienne : l’un des premiers embouteillages de leur histoire. Bien sûr, rien de comparable à l’Avenida 23 de Maio aux heures de pointe aujourd’hui, mais encore un peu de chaos pour une ville qui ne comptait pas 350 000 habitants. Pauliceia n’était toujours pas folle – il en restait peu – et la ville était loin d’être la mégalopole chaotique qu’elle allait devenir. Mais l’inauguration de la Municipalité – avec éclairage à énergie électrique, une nouveauté qui a attiré l’attention de milliers de personnes qui se sont rassemblées autour du bâtiment – a été son jalon d’émancipation, de satisfaction de son élite qui réclamait quelque chose qui résonnait dans tout le Brésil et qui faisait elle se sent comme à deux pieds de l’autre côté de l’Atlantique. Eu.
Et le théâtre a émergé pour abriter principalement des opéras, la sophistication maximale de l’époque, encore plus après l’incendie qui a consumé le Teatro São José. le projet appartient aux frères Rossi. Il a été conçu pour l’opéra parce que c’était le grand spectacle à l’époque, et cela lui donne des caractéristiques très uniques, comme le format de la salle et de la scène, par exemple », explique, dans une interview avec Cláudia Costa, de Journal de l’USP, professeur Lúcio Gomes Machado, de la Faculté d’Architecture et d’Urbanisme de l’USP (FAU-USP). « Comme cela fonctionne avec la voix humaine, sans amplification, il est nécessaire d’avoir une dimension maximale pour la portée de la voix. C’est pourquoi il a cette forme de bien vertical, et non pas une audience développée horizontalement, et c’est ce qui lui permet de fonctionner correctement », précise-t-il.
Le Théâtre Municipal, en ses 110 ans d’existence, a vu sur ses scènes des noms qui vont bien au-delà de l’opéra, comme le rappelle le professeur Gomes Machado, puisque, grâce à sa conception, il était – et est – parfait pour les spectacles musicaux d’opéra. Là, des danseurs comme Nijinski, Noureev et Isadora Duncan, des virtuoses comme Magdalena Tagliaferro, Guiomar Novaes, Camargo Guarnieri et Arturo Toscanini, des dieux de l’opéra comme Enrico Caruso et Maria Callas, et plus, disons, des artistes populaires, comme Ella Fitzgerald , y ont joué Duke Ellington et le groupe portugais Madredeus. Tout au long de son peu plus d’un siècle d’existence, le Théâtre Municipal s’est pour ainsi dire démocratisé, faisant place à d’autres spectacles que celui pour lequel il a été conçu, s’ouvrant à d’autres langages culturels. Mais il a également dû subir quelques rechapages. « La Municipalité a subi deux rénovations majeures. La première, lorsque Jânio Quadros était maire, dans les années 1950, quand il a malheureusement changé de place dans le public. Et, plus récemment, dans les années 1980, lorsqu’une grande restauration a été effectuée, très bien faite, dans laquelle les loges ont été améliorées, la scène a été modernisée en termes d’équipement pour la scénographie, en plus d’un contrôle d’éclairage », rappelle le professeur de la FAU. « Une autre réforme a eu lieu pendant l’administration du professeur Carlos Augusto Calil, de l’École des communications et des arts de l’USP (ECA-USP), au service municipal de la Culture (2005-2012). Sa gestion a été exemplaire pour la réorganisation fonctionnelle du Théâtre municipal et sa programmation », dit-il.
Mais parmi tant d’événements artistiques et culturels que le Théâtre Municipal a accueillis en un peu plus d’un siècle, un restera à jamais lié à son histoire : l’emblématique Semaine de l’Art Moderne, en février 1922. Jusque-là, le Municipal jouait bien son rôle qui avait créé, avec la présentation de dizaines d’opéras des compositeurs les plus divers, plaire à l’élite et apaiser les âmes des nostalgiques des salons français. Mais alors, des gens comme Oswald de Andrade, Mario de Andrade, Ronald de Carvalho, Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Victor Brecheret et Villa-Lobos – Tarsila do Amaral était en Europe à l’époque – ont décidé de faire leur festival moderniste entre les rideaux et les murs bien ornés du théâtre antique, inaugurant un autre moment dans les arts brésiliens. Et, au passage, choquant et indigné une partie de la société pauliste, qui comprenait très peu ce qui s’y passait.
semaine de trois jours
Pour comprendre le lien entre le Théâtre municipal et la Semana de 22 – qui s’apprête à fêter ses 100 ans –, il est nécessaire de replacer certains points dans leur contexte. Premièrement, non, la semaine n’a pas duré sept jours. En fait, il y en a eu trois : les 13, 15 et 17 février, avec les présentations les plus variées ou, comme l’annonce le journal Correio Paulistano le 29 janvier, « la démonstration parfaite de ce qu’il y a dans notre environnement en sculpture, architecture, musique et littérature d’un point de vue rigoureusement actuel », il ne restait plus qu’à se mettre d’accord avec le public. Le jour de l’ouverture, par exemple, le 13 février, la salle de la Municipale était remplie de sculptures et de peintures qui n’enthousiasmaient pas forcément l’esprit des personnes présentes. Et le discours de Graça Aranha sur l’Art Moderne n’a pas du tout aidé. Le 15, Guiomar Novaes, contre la volonté de ses partenaires modernistes, joua des pièces classiques au piano, Ronald de Carvalho lut le poème les grenouilles, de Manuel Bandeira – qui n’a pas pu y aller à cause de sa tuberculose –, une critique acerbe du parnassianisme reçu presque autant que la conférence de Menotti del Picchia sur l’art esthétique – la différence est que, en tant que créateur de Juca mulâtre parlé, le public a également émis des miaulements, des aboiements et d’autres sons non élogieux. Est-ce que ce modernisme est là ? Pas nécessairement. Et le 17, pour finir, peut-être un peu de tranquillité : Villa-Lobos et son piano. Mais il y avait un détail qui attirait plus l’attention que les pièces jouées par le chef d’orchestre : il entrait en scène en queue de pie – noblesse Merci – mais seulement avec un pied chaussé. De l’autre, une pantoufle. Le public a interprété cela comme une attitude futuriste et irrespectueuse et a hué l’artiste sans pitié. Puis Villa-Lobos expliquait : il n’y avait rien de futuriste ou de manque de respect. Ce qu’il y avait était une callosité enflammée.
Mais un point qui doit être souligné dans cette relation ombilicale entre le Théâtre municipal et la Semana de 22 est que, autant qu’il y a ceux qui y croient, ce n’était pas une « démocratisation » du théâtre – qui viendrait des décennies plus tard. Ce qui s’est passé là-bas, c’est l’élite qui parlait à l’élite – uniquement avec la clé de sève désactivée.
«Il est clair que la Semaine du 22 a représenté une transformation profonde de cette idée d’un temple aristocratique pour la consommation de l’élite ou des riches de São Paulo. Mais cette lecture que le modernisme était un mouvement, disons, démocratique, n’est pas réelle. C’est plutôt un mouvement de renouveau culturel. La Semaine du 22, même si elle a un caractère transformateur de la culture, ou des langues de la culture, reste un événement d’élite. D’abord parce qu’il est parrainé par une élite de São Paulo. Personne ne peut oublier des personnalités comme Paulo Prado et, plus tard, Mme Veridiana de Almeida Prado », explique la sociologue Maria Arminda do Nascimento Arruda, professeure et ancienne directrice de la Faculté de philosophie, lettres et sciences humaines (FFLCH) de l’USP. «Deuxièmement, parce qu’Oswald Andrade, par exemple, malgré son caractère parfois assez iconoclaste, était un enfant de l’élite. L’organisation des événements de la soi-disant Semaine moderniste au Théâtre municipal a un double sens : d’une part, aller dans un temple culturel de la ville de São Paulo et, d’autre part, pointer vers le renouveau », explique Maria Arminda. « Graça Aranha, qui n’était pas de São Paulo mais qui a aussi participé, est une intellectuelle liée aux élites. Cette célèbre photographie sur les marches du Théâtre Municipal reflète bien ce caractère mixte : le renouveau du langage et aussi une expression – qui ne pourrait même pas être différente dans un pays d’illettrés – d’un élan modernisateur de la culture qui vient de ces élites, à tel point qu’il a été parrainé pour elle », raconte l’enseignante.
Vases communicants, Théâtre municipal, Semaine de l’art moderne et – pourquoi pas ? – l’Indépendance du Brésil elle-même est liée, encore plus maintenant, à la proximité du Bicentenaire de l’Indépendance et du 100e anniversaire de la Semaine de l’Art Moderne. Avec le théâtre, São Paulo a voulu montrer sa force économique et culturelle. La Semaine du 22, qui s’est tenue juste au moment où le pays s’apprêtait à célébrer les 100 ans de sa libération du Portugal, peut s’expliquer d’elle-même pour beaucoup. Mais pouvez-vous ? Maria Arminda réfléchit un peu plus loin. « Il est également intéressant de parler du symbolisme qu’elle représente : la Semaine moderniste de São Paulo qui se tient pendant les célébrations des 100 ans de l’Indépendance, c’est-à-dire l’idée qu’elle avait une indépendance politique et que le modernisme serait l’indépendance culturelle de la Brésil. Ce serait une époque où nous aurions une culture qui était loin de la norme cultivée d’origine portugaise et qui serait une création autonome. Mais ce n’est pas exactement ça, il n’y a pas de langue de culture absolument autonome qui n’a rien à voir avec ça », explique-t-il. « La Semaine du 22 est un mouvement interne de transformations culturelles, conçu au sein de l’élite de São Paulo, mais qui avait un sens transformateur ». Et le Théâtre Municipal de São Paulo était, et sera toujours, sa scène par excellence.
Avec des interviews réalisées par Cláudia Costa
